En la clase del Viernes hablamos sobre la luz y la sombra. Y como ya he subido la práctica y la teoría de dicha clase, solo me queda aportar la referencia de los artistas.
Artistas
- Johannes Vermeer, pintor neerlandes del Barroco. Se conoce por la forma que tiene de iluminar sus obras. Casi siempre utiliza una luz natural que entra por un costado izquierdo e ilumina la pared derecha y así toda la habitación.
- Eugenio Recuenco, fotógrafo español, trabaja en el área de la publicidad y la edición. Se dice que su trabajo es muy cinematográfico y pictórico.
En algunas de sus obras simula la luz con la que trabajaba Vermeer en sus obras.
- Hiroshige, pintor japones, no plasma la sombra proyectada de las figuras de su composición.
- Paul Signac, pintor frances del neoimpresionismo. Cambio la manera de ver la realidad a través de la pintura puntillista. Toda una forma diferente de representar la luz y la sombra en la composición.
- Francis Bacon. pintor anglo-irlandes su pintura estaba dentro de lo figurativo idiosincrásico, Se caracterizaba por deformar los elementos de la obra y gran ambigüedad.
Este pintor trabajaba con luz artificial ya que solía pintar de noche.
- Rafael Lozano-Hemmer, artista electrónico mexicano, que trabaja con luces en la arquitectura, performances, y teatro tecnológico. Trabaja también con la proyección de sombras, le da un sentido mágico y misterioso a este elemento de la luz.
- Fabrizio Corneli, es un artista italiano que trabaja con esculturas en miniaturas que al ser reflejadas con luz desde un punto estratégico, proyectan su verdadera forma e intención.
- Simón Norfolk. fotógrafo nigeriano, se especializó en el fotodocumentalismo y es así como lo plasma en cada una de sus fotografías. Pareciera que a través de la luz natural nos cuenta una historia en cada imagen. Como en esta, el fin o el comienzo de una sociedad.
- Flavin, fue un artista norteamericano de mitad del siglo XX, se interiorizo en el movimiento minimalista de la época. Trabajaba con tubos fluorescentes.
- Roman Vitali. artista argentino que también trabaja con tubos fluoresenctes.
- Makoto Tojiki, es un artista y diseñador que utiliza la luz como su principal elemento de composición. Utiliza luz LED para crear figuras y formas.
lunes, 1 de diciembre de 2014
viernes, 28 de noviembre de 2014
La luz, teoría y práctica.
Hoy día estuvimos viendo la teoría de la luz e hicimos un examen sorpresa, y la clase pasada hicimos la práctica.
Debo reconocer que no me salió ninguna de las fotos que tomamos en el plató pero hice este ejercicio en casa, y aquí está el resultado.
Sabemos que la luz existe porque existe un objeto en el cual se refleja. Ya que la luz en sí es transparente, y su tonalidad varía según el objeto en el cual se pose, o el color que se ponga por delante de su rayo de luz.
Como también existe la luz existe la sombra, que es la proyección del objeto del cual nace de la luz recibida.
La luz, la sombra y la penumbra van ligadas, ya que un cuerpo sin una sombra no es, y dentro de la sombra residen las tonalidades de grises que crean a la penumbra, esa escena entre la luz y la oscuridad.
El ejemplo que nos ponía María Jesus era el de la sepia que se iluminaba por completo para no proyectar sombra y de esta manera no se la comieran los otros peces más grandes.
No tener sombra se podría decir que es no proyectar luz. Porque la luz proyecta sombra y un objeto que no la tenga es porque o es transparente o no existe.
Un dato curioso e interesante es que las culturas orientales no proyectan la sombra de los objetos en sus obras pictóricas.
La cultura occidental hace todo lo contrario, las proyecta porque es algo inherente en el ser occidental, su existencia corpórea y su sombra.
Debo reconocer que no me salió ninguna de las fotos que tomamos en el plató pero hice este ejercicio en casa, y aquí está el resultado.
Sabemos que la luz existe porque existe un objeto en el cual se refleja. Ya que la luz en sí es transparente, y su tonalidad varía según el objeto en el cual se pose, o el color que se ponga por delante de su rayo de luz.
Como también existe la luz existe la sombra, que es la proyección del objeto del cual nace de la luz recibida.
La luz, la sombra y la penumbra van ligadas, ya que un cuerpo sin una sombra no es, y dentro de la sombra residen las tonalidades de grises que crean a la penumbra, esa escena entre la luz y la oscuridad.
El ejemplo que nos ponía María Jesus era el de la sepia que se iluminaba por completo para no proyectar sombra y de esta manera no se la comieran los otros peces más grandes.
No tener sombra se podría decir que es no proyectar luz. Porque la luz proyecta sombra y un objeto que no la tenga es porque o es transparente o no existe.
Un dato curioso e interesante es que las culturas orientales no proyectan la sombra de los objetos en sus obras pictóricas.
Katsushika Hokusai
La cultura occidental hace todo lo contrario, las proyecta porque es algo inherente en el ser occidental, su existencia corpórea y su sombra.
domingo, 23 de noviembre de 2014
Exposición galería la Liebre 7x114x146.
Es una galería pequeña y acogedora, la persona que está a cargo fue bastante amable al dejar que tomara fotografías de las obras expuestas.
Son 7 obras que están hasta el 10 Enero en esta galeria.
En general me han gustado todas, pero en especial 3.
La instalación de las nubes con esos símbolos masones ha llamado mi atención y la idea del tira chinas apuntandote es un poco inquietante. Por lo visto el artista Maxon ha estado fuertemente relacionado con esa idea de el azar, y con elementos como el oro muy latente en su obra.
La otra obra que me ha gustado ha sido el retrato "prohibido" de Cristina Toledo.
La utilización de esa paleta de colores, de fondo negro y gris, y la figura principal de un blanco pálido junto con los grises que dan forma al pelo y la cara. Y no desagrada a la vista el acabado de esferas de rosas y grises, crean un sutil pero marcado contraste.
Y por último la obra de Santiago Lara, "encuentro"
Al ver esta obra me recuerda los personajes robustos y primitivos de Diego de Rivera.
También me agradan los violetas, morados, negros, grises que degradan a rojo cadmio. Toda esa composición de bosque negro, junto con las figuras o espectros blancos que contrastan, pareciera un cuento fantasmal o una película de terror. Ese horizonte que divide la obra es otro contraste más, lleno de blancos y grises un poco más opacos que esas figuras que se elevan.
Funciona ese fuerte contraste entre negros y blancos y algunos colores primarios y complementarios.
Son 7 obras que están hasta el 10 Enero en esta galeria.
En general me han gustado todas, pero en especial 3.
La instalación de las nubes con esos símbolos masones ha llamado mi atención y la idea del tira chinas apuntandote es un poco inquietante. Por lo visto el artista Maxon ha estado fuertemente relacionado con esa idea de el azar, y con elementos como el oro muy latente en su obra.
La otra obra que me ha gustado ha sido el retrato "prohibido" de Cristina Toledo.
La utilización de esa paleta de colores, de fondo negro y gris, y la figura principal de un blanco pálido junto con los grises que dan forma al pelo y la cara. Y no desagrada a la vista el acabado de esferas de rosas y grises, crean un sutil pero marcado contraste.
Y por último la obra de Santiago Lara, "encuentro"
Al ver esta obra me recuerda los personajes robustos y primitivos de Diego de Rivera.
También me agradan los violetas, morados, negros, grises que degradan a rojo cadmio. Toda esa composición de bosque negro, junto con las figuras o espectros blancos que contrastan, pareciera un cuento fantasmal o una película de terror. Ese horizonte que divide la obra es otro contraste más, lleno de blancos y grises un poco más opacos que esas figuras que se elevan.
Funciona ese fuerte contraste entre negros y blancos y algunos colores primarios y complementarios.
Clase del color y la práctica.
El Miércoles estuvimos viendo la teoría del color, y el Viernes nos pusimos de cabeza con la práctica final del libro de colores.
Hablamos acerca de los colores primarios, secundarios, complementarios, adyacentes, etc
También sobre la relatividad de lo que es un color, y llegamos a la conclusión de que un color es, dependiendo del color que lleve a su lado.
Hay algunos criterios que nos sirven de selección del color.
- Debemos tener un contraste visual.
- Similitud.
- Influencia del contexto social.
- Contenido simbólico.
Los colores se clasifican en
Primarios (colores aditivos)
- Rojo.
-Verde.
-Azul.
-Blanco.
Estos colores se adhieren, esto quiere decir que tienen a ser colores con más luz.
Colores pigmentarios (sustractivos)
-Cian.
- Magenta.
- Amarillo.
- Negro
Estos colores tienden a la oscuridad, a lo negro.
Colores básicos
-Amarillos.
- Rojo.
-Azul.
Colores secundarios (mezcla delos primarios)
- Verde = amarillo y azul.
-Violeta= azul y rojo.
-Naranja = amarillo y rojo.
Colores complementarios.
Es aquel color secundario que no participa, por ejemplo.
El color complementario del verde es el rojo.
El color complementario del violeta es el amarillo.
El color complementario del naranja es el azul
Para aclararnos visualmente aquí dejo un esquema general que nos proporcionó María Jesús.
Los artistas mencionados son:
- Mademoiselle Maurice, es una artista francesa que trabaja con el origami con papel y técnicas muy sencillas y humildes, quiere transmitir esto a través de su obra.
Trabaja con colores sustractivos y aditivos.
- Carmen Calvo, artista valenciana influenciada por el Pop Art. Su obra se ve vinculada al contexto social e histórico, esas reminiscencias que van unidas directamente con su objeto artístico. En algunas de sus obras juega con el contraste del color, entre lo cálido, lo frío, lo que se opone pero dentro de estos polos opuestos hay una unidad mucho más estrecha de la que se piensa.
- Oukalele, y sus obras donde utiliza el contraste entre colores secundarios y complementarios.
- Paloma Navares, artista visual multidisciplinar española. Profundiza en el mundo de la mujer con sus ritos costumbres y tradiciones. Ha trabajado la fotografía, la instalación, la video instalación, videocreación, sonido y luz. También ha realizado esculturas y collages. En su obra están presentes los colores complementarios.
Hablamos acerca de los colores primarios, secundarios, complementarios, adyacentes, etc
También sobre la relatividad de lo que es un color, y llegamos a la conclusión de que un color es, dependiendo del color que lleve a su lado.
Hay algunos criterios que nos sirven de selección del color.
- Debemos tener un contraste visual.
- Similitud.
- Influencia del contexto social.
- Contenido simbólico.
Los colores se clasifican en
Primarios (colores aditivos)
- Rojo.
-Verde.
-Azul.
-Blanco.
Estos colores se adhieren, esto quiere decir que tienen a ser colores con más luz.
Colores pigmentarios (sustractivos)
-Cian.
- Magenta.
- Amarillo.
- Negro
Estos colores tienden a la oscuridad, a lo negro.
Colores básicos
-Amarillos.
- Rojo.
-Azul.
Colores secundarios (mezcla delos primarios)
- Verde = amarillo y azul.
-Violeta= azul y rojo.
-Naranja = amarillo y rojo.
Colores complementarios.
Es aquel color secundario que no participa, por ejemplo.
El color complementario del verde es el rojo.
El color complementario del violeta es el amarillo.
El color complementario del naranja es el azul
Para aclararnos visualmente aquí dejo un esquema general que nos proporcionó María Jesús.
Los artistas mencionados son:
- Mademoiselle Maurice, es una artista francesa que trabaja con el origami con papel y técnicas muy sencillas y humildes, quiere transmitir esto a través de su obra.
Trabaja con colores sustractivos y aditivos.
- Javier Banegas, artista plástico español. Suele trabajar con colores básicos y complementarios en sus obras realistas, que dicen más que el discurso que pueda decir el artista.
- Carmen Calvo, artista valenciana influenciada por el Pop Art. Su obra se ve vinculada al contexto social e histórico, esas reminiscencias que van unidas directamente con su objeto artístico. En algunas de sus obras juega con el contraste del color, entre lo cálido, lo frío, lo que se opone pero dentro de estos polos opuestos hay una unidad mucho más estrecha de la que se piensa.
- Ferdinado Scianna, periodista y fotógrafo italiano, ha realizado fotofrafías de retratos, moda, publicidad y es miembro de Magnum Photos.
- Oukalele, y sus obras donde utiliza el contraste entre colores secundarios y complementarios.
- Paloma Navares, artista visual multidisciplinar española. Profundiza en el mundo de la mujer con sus ritos costumbres y tradiciones. Ha trabajado la fotografía, la instalación, la video instalación, videocreación, sonido y luz. También ha realizado esculturas y collages. En su obra están presentes los colores complementarios.
domingo, 16 de noviembre de 2014
Conociendo la obra y vida de Laura Torrado.
Llegamos temprano, Laura ya estaba intentando montar los elementos audiovisuales para dar comienzo a la exposición de su trabajo.
Entre pausas y reflexiones iba dandose a conocer, yo estaba encantada escuchándola y viendo sus obras en la pantalla.
Me suscitaba una tremenda necesidad el seguir conociendo que más había detrás de todas esas imágenes tan contrastadas.
Nos habló de su experiencia post-universitaria. Y su clara incertidumbre de, no saber que hacer luego de terminar la carrera. Ese abismo que se le presentó la llevó a cruzar el atlántico hacía Estados Unidos y encontrar la piedra angular de su vida. La razón por la cual se dedicó los años siguiente a las artes plásticas.
A veces una palabra nos falta para poder atrevernos ¿A qué? Pues a SER.
Es como esa gran frase de Descartes, "cogito ergo sum" Pienso, luego existo.
Supongo que en esto es todo y nada de eso, es no pensar y hacer, o pensar y hacer, la clave
como decía Laura, es HACER, HACER Y HACER. No esperar a que pasen estos 4 años y al terminar quizá pensar si es que me creo lo de ser artista. Ya lo somos! Y por mucho que suene presuntuoso, si no te lo vas a creer ahora no lo harás después, entonces es que nunca lo serás.
Me maraville con la idea bastante presente en su serie de obras "La vida suspendida" Y algún video como "The Birth" y otras puestas en escenas más, con la utilización del pelo. Ese concepto del pelo como desecho humano, esa idea desagradable y repulsiva. Pero a la vez esa idea atemporal, porque el pelo sigue vivo, el cuerpo no, se vuelve polvo, pero el pelo sigue existiendo.
También me pareció interesante el tema central de su obra actual "Hammams" Esa mirada femenina de los eternos estereotipos masculinos y femeninos en la fotografía de la historia. Me parece que es un tema que se debe trabajar de muchas formas y diferentes puntos de vistas.
Me sentí cómoda cuando hablaba sobre estos argumentos, porque más de alguna vez he estado pensando sobre lo mismo, y es importante y más bien menester que como mujeres, como artistas que veamos todo lo que está cubierto con ese tan típico velo negro. Las palabras mudas que socialmente no se dicen o no se tocan por simple monotonidad, costumbre, o pasotismo. Es hora de manosearlas, de hablarlas y mostrarlas y qué mejor a través del arte.
Otra cosa que me sorprendió positivamente fue la manera que siempre ha tenido Laura por realizar lo que necesitaba crear. Nos comentaba que salía a recorrer las calles, los contenedores de basura por Brooklyn, ha encontrar esos pequeños tesoros que nadie quería y que estaban desechados, y a partir de eso empezar a construir, y a dar sentido a su constante expresión artística.
Transformó ese guetto de la escultura, la exploró y se dio cuenta que podía realizarla sin necesidad de materiales caros o pesados. Su forma delicada, detallista y ese halo de armonía entre lo sutil y lo grotesco, la ha caracterizado. Cuando vemos esas composiciones escultóricas entre medio de pelos, pétalos de flores, cenizas, etc, no pareciera que fuesen desechos tan desagradables. Lo vemos pero no molesta a lo visual. Tal vez sí cuando nos ponemos a escarbar en el concepto, tal vez por eso a Laura no le guste desmenuzar sus obras. Quizá queda más bonito y misterioso esa incomprensión de la idea, porque también como ha dicho en varias ocasiones, ni ella misma sabía por qué lo hacía, solo sabía que necesitaba hacerlo.
Es una artista que ha explorado varios, por no decir todos, los campos de las plásticas, nada la ha detenido, ni siquiera el poco presupuesto ni la falta de espacio para poder producir sus obras. Eso es lo que más me ha llegado y me ha gustado, porque en muchas ocasiones me he sentido así o me he visto pensando en este problema, pero al saber que hay grandes artistas que han pasado por lo mismo y que para ellas/ellos no ha sido un obstaculo, al contrario y lo podemos ver con Laura, que ha sido un autentico desafío, algo que al parecer le ha descubierto un mundo lleno de posibilidades, de oportunidades únicas. Entonces puedo ver y pensar y por qué yo no.
Vida suspendida.
Primeras obras.
Hammams.
http://www.lauratorrado.net/video1.htm
Video The Birth.
Entre pausas y reflexiones iba dandose a conocer, yo estaba encantada escuchándola y viendo sus obras en la pantalla.
Me suscitaba una tremenda necesidad el seguir conociendo que más había detrás de todas esas imágenes tan contrastadas.
Nos habló de su experiencia post-universitaria. Y su clara incertidumbre de, no saber que hacer luego de terminar la carrera. Ese abismo que se le presentó la llevó a cruzar el atlántico hacía Estados Unidos y encontrar la piedra angular de su vida. La razón por la cual se dedicó los años siguiente a las artes plásticas.
A veces una palabra nos falta para poder atrevernos ¿A qué? Pues a SER.
Es como esa gran frase de Descartes, "cogito ergo sum" Pienso, luego existo.
Supongo que en esto es todo y nada de eso, es no pensar y hacer, o pensar y hacer, la clave
como decía Laura, es HACER, HACER Y HACER. No esperar a que pasen estos 4 años y al terminar quizá pensar si es que me creo lo de ser artista. Ya lo somos! Y por mucho que suene presuntuoso, si no te lo vas a creer ahora no lo harás después, entonces es que nunca lo serás.
Me maraville con la idea bastante presente en su serie de obras "La vida suspendida" Y algún video como "The Birth" y otras puestas en escenas más, con la utilización del pelo. Ese concepto del pelo como desecho humano, esa idea desagradable y repulsiva. Pero a la vez esa idea atemporal, porque el pelo sigue vivo, el cuerpo no, se vuelve polvo, pero el pelo sigue existiendo.
También me pareció interesante el tema central de su obra actual "Hammams" Esa mirada femenina de los eternos estereotipos masculinos y femeninos en la fotografía de la historia. Me parece que es un tema que se debe trabajar de muchas formas y diferentes puntos de vistas.
Me sentí cómoda cuando hablaba sobre estos argumentos, porque más de alguna vez he estado pensando sobre lo mismo, y es importante y más bien menester que como mujeres, como artistas que veamos todo lo que está cubierto con ese tan típico velo negro. Las palabras mudas que socialmente no se dicen o no se tocan por simple monotonidad, costumbre, o pasotismo. Es hora de manosearlas, de hablarlas y mostrarlas y qué mejor a través del arte.
Otra cosa que me sorprendió positivamente fue la manera que siempre ha tenido Laura por realizar lo que necesitaba crear. Nos comentaba que salía a recorrer las calles, los contenedores de basura por Brooklyn, ha encontrar esos pequeños tesoros que nadie quería y que estaban desechados, y a partir de eso empezar a construir, y a dar sentido a su constante expresión artística.
Transformó ese guetto de la escultura, la exploró y se dio cuenta que podía realizarla sin necesidad de materiales caros o pesados. Su forma delicada, detallista y ese halo de armonía entre lo sutil y lo grotesco, la ha caracterizado. Cuando vemos esas composiciones escultóricas entre medio de pelos, pétalos de flores, cenizas, etc, no pareciera que fuesen desechos tan desagradables. Lo vemos pero no molesta a lo visual. Tal vez sí cuando nos ponemos a escarbar en el concepto, tal vez por eso a Laura no le guste desmenuzar sus obras. Quizá queda más bonito y misterioso esa incomprensión de la idea, porque también como ha dicho en varias ocasiones, ni ella misma sabía por qué lo hacía, solo sabía que necesitaba hacerlo.
Es una artista que ha explorado varios, por no decir todos, los campos de las plásticas, nada la ha detenido, ni siquiera el poco presupuesto ni la falta de espacio para poder producir sus obras. Eso es lo que más me ha llegado y me ha gustado, porque en muchas ocasiones me he sentido así o me he visto pensando en este problema, pero al saber que hay grandes artistas que han pasado por lo mismo y que para ellas/ellos no ha sido un obstaculo, al contrario y lo podemos ver con Laura, que ha sido un autentico desafío, algo que al parecer le ha descubierto un mundo lleno de posibilidades, de oportunidades únicas. Entonces puedo ver y pensar y por qué yo no.
Vida suspendida.
Primeras obras.
Hammams.
http://www.lauratorrado.net/video1.htm
Video The Birth.
sábado, 8 de noviembre de 2014
Exposición de la instalación.
El día Miércoles expuse sobre el color Marrón con mi compañera María José. Y el Viernes expusimos algunos compañeras/os las instalaciones que habíamos hechos. La mía es la siguiente y se llama, Mundo imaginativo.
Mundo
imaginativo
Cuando caminas por las calles de
cualquier sitio donde exista un poco de actual consumismo y estrés
social, podrás observar que por lo menos 5 de cada 10 personas
están caminando con el móvil en la mano y los cascos en los oídos.
En especial este fenómeno
sucede en la población joven, pero cada día se extiende a más
sectores de la población.
Ya no hace falta tener que
llegar a casa para escuchar la música que te gusta. La evolución
tecnológica a hecho estragos y grandes avances, entre ellos ha
creado la manera de convertir la música en un elemento portable.
Da igual donde estés y lo que
estés haciendo, si deporte, o en una biblioteca, caminando por la
calle o de camino en el metro, bus, coche a tu lugar de destino. Da
igual de que tipo de etnia seas, o a que religión pertenezcas, da
igual tu género y tu orientación sexual, da igual tu aspecto físico
y tu capacidad de inteligencia o física, y últimamente hasta da
igual que edad tengas. Ahora todo el mundo puede optar por tener
entre sus bienes el tan preciado reproductor de música. Lo han
creado según la necesidad del consumidor, es pequeño y fácil de
usar, cualquiera lo puede utilizar sin mayor problema. Y lo mejor de
todo es que tu mismo puedes crear tu banda sonora mientras vas por
ahí.
Ahora y mi real interés en este
tema y el motivo de mi pequeña instalación es el siguiente. Me he
hecho estas dos preguntas ¿Por qué escuchamos música? ¿Nos da
placer esta acción? A raíz de estas dos grandes incógnitas han
nacidos otras preguntas como ¿Por qué parecemos seres antisociales
cuando nos ponemos los cascos? O mejor aún ¿No será que a partir
de esa necesidad de individualismo compartimos más cosas de las que
creemos?
Pareciera que cuando nos
sumergimos en ese mundo interno de la melodía, todo a nuestro
alrededor desaparece, o se ve envuelto con una gama de colores
propio, más personal. Con nuestro propio lienzo y nuestra propia
paleta de colores, de sensaciones, de sentimientos. Nos envolvemos en
otras realidades, pasadas, futuras, presentes, oníricas, reales,
abstractas.
Pareciera que cuando conectamos
nuestro cerebro con esos sonidos tan nuestros nos vamos de nuestro
entorno para evadirnos de esa constante rutina que estamos obligados
a vivir.
Nos apartamos, nos desvinculamos
con la sociedad, nos hacemos individuos, uno. O eso es lo que parece.
Lo curioso ha surgido cuando me
he parado a pensar en esta idea, porque he llegado a la conclusión
de que en realidad nos une un hilo conducto mucho más visible y
grande del que imaginamos. En realidad esa misma necesidad, ese
anhelo, ese placer, ese gozo que nos provoca la música es lo que nos
une en esa paradoja utopía individualista. Este concepto nos hace
formar parte de un mismo deseo, un deseo colectivo, que es disfrutar
de este algo tan simple, como es la música. Nos eleva conjuntamente
de la misma manera, nos hace sentir, nos hace compartir estados de
ánimo que se repiten en cada individuo de la misma forma. Repetimos
patrones sociales en diferentes momentos, pero de igual manera. Esto
nos conecta, nos hace ser parte de la misma cuestión, de la misma
necesidad, de la misma interacción antisocial.
Ya lo han mencionado varios
sociólogos contemporáneos, que dicen que el individuo es porque
existe la sociedad y la sociedad existe porque está el individuo.
Parece ser que lo particular depende directamente de la totalidad y
viceversa. Puede ser que por este motivo ese sentimiento
satisfactorio individual lo compartamos a través de la música
formando parte de un todo.
Tras toda esta explicación y
justificación hacia mi propuesta, he querido plasmar un mundo
surrealista, donde están presentes elementos visuales que dan vida a
esta interacción. Colores primitivos, vivos, impresionistas, esos
que nos dibujan las emociones que emanan desde nuestro ser interno.
Cada color tiene una relación directa con cada estado de ánimo. El
gris y el negro, representa una parte oscura de ese sentimiento
triste, deprimente y sosegado que vive alguien que se encuentra mal.
Los colores amarillos y verde, transmite esperanza, vida, nacimiento.
El color magenta, al ser un color primario, es un color del que nacen
muchos otros, colores vivos que comunican sensaciones positivas,
eufóricas, activas, felices. El color azul, es un color que muestra
calma, paz, tranquilidad, quietud. Toda esta paleta policromática da
vida a todas esas sensaciones que solemos sentir cuando nos dejamos
llevar, cuando nos arrastramos a ese mundo cargado de sinfonías,
voces, instrumentos que nos liberan a otro espacio-tiempo.
Utilicé una textura de papel de
muy poco gramaje para dar una sensación de inmaterialidad. La
composición es totalmente asimétrica, no responde a un equilibrio
de formas ni de colores ni de estética. Mi intención fue dar
libertad a las figuras, a la expresión de las líneas que
conformaban los cables de los alambres, etc. También hice mención
de la ley de la buena forma de la escuela Gestalt, en una de las
figuras recortadas como collage. Jugué con la horizontalidad en
ocasiones para expresar pasividad y calma y en otras hice notar la
verticalidad de las formas para expresar positivismo, energía,
movimiento. La iconicidad es variada, las figuras de plastilina
tienen un nivel 4,5 de iconicidad, pero las figuras sacadas de una
revista son de nivel 10, totalmente reales. Esta mezcla de iconicidad
solo se puede representar en este mundo surrealista, casi onírico
que descansa en nuestras mentes a través de la música.
En esta instalación utilicé
técnicas mixtas, acrílicos, collage, plastilina, papel de poco
gramaje, para dar una sensación de irrealidad del decorado, de
inmaterialidad, de inestabilidad, que trasciende del plano principal
para fugarse más allá. Cables y auriculares para hablar sobre el
tema principal.
Las ondas significan fluidez,
constante movimiento que no tiene fin entre las melodías y las
sensaciones que creamos. La espiral del extremo izquierdo nos
envuelve con todos esos colores en ese mundo donde nace todo.
Los cables pertenecientes a los
cascos son todo ese entramado de vidas individuales que se ven
envueltas unas con otras por las mismas emociones que nos hacen parte
del mismo concepto.
Los pequeños seres de
plastilina son los espectadores que intentan entender ese mundo que
ellos aún no pueden acceder. Lo miran asombrados, con cierta
reticencia e incredulidad, aún les falta mucho por experimentar y
abrir sus mentes.
La presentación de la
instalación la he hecho en un soporte online y en power point.
También he grabado un pequeño vídeo, con audio incluido. La música
es una pieza futurista sacada de una versión en youtube.
domingo, 2 de noviembre de 2014
Examen práctico y teórico.
Este Viernes se realizó el examen práctico de la asignatura, constaba de dos partes.
1.- La práctica, en la que tuvimos que hacer una parte de nuestro cuerpo, la que nos decía la profesora.
Esta actividad nos llevó gran parte de las dos horas, tuvimos que hacer las partes con técnicas secas o húmedas, darle textura y la mayor realidad posible, ya que el grado de iconicidad era nivel 10.
Mi parte del cuerpo fue la parte posterior de la palma de la mano izquierda. Lo realicé con lapiz grafito HB, sanguina para darle un poco de color y barras de grafito para dar un poco de sombreado.
Ok sí, hice la mano completa pero para poder guiarme y hacer bien la parte
posterior de la palma.
Luego esta mano fue recortada y se unió al brazo izquierdo que
posteriormente se pegó al cuerpo entero. Este fue el resultado.
Palma posterior de la mano izquierda pegada a brazo izquierdo.
El cuerpo en su magnificencia
2.- En la teoría tuvimos que hablar sobre este cuerpo y relacionarlo con la textura, la forma, la composición, la escuela de la Gestalt, la iconicidad, el tamaño, el marco, formato.
Como podemos ver el resultado de nuestra querida obra de arte ha sido todo un éxito, algo amorfo y totalmente asimétrico y único!
Técnicas empleadas: técnicas mixtas.
Iconicidad: Nivel 10 (realista)
Composición: horizontal.
Gestalt: ley de buena forma o continuidad.
Texturas: papel de poco gramaje.
Tamaño: corresponde a según que parte del cuerpo tenía cada compañera/o. Pero se podría decir que es un tamaño grande.
Formato: si lo traducimos a figuras geométricas podría representar a un rectangulo.
Marco: El suelo del aula de clase.
Por cierto si tenéis comentarios que hacer acerca de los puntos que acabo de mencionar adelante, para eso estámos, para aprender y toda critica u opinión es constructiva.
Enhorabuena compañerxs, aquí tenemos a nuestra querida Conchita Wurst (nombre otorgado por nuestra profesora María Jesús Abad Tejerina)
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